Fiche technique :
Avec Gale Harold, Randy Harrison, Scott Lowell, Peter Paige, Chris Potter, Hal Sparks, Sharon Gless, Michelle Clunie et Thea Gill. Créée par Russel T. Davies.
Durée : 990 mn. Disponible en en VO, VOST et VF.

L'avis de Mérovingien02 :
Quand Russel Davies lance la courte série Queer as Folk en Grande-Bretagne à la fin des années 90, c'est toute la smala des conservateurs qui se met en branle. Pensez donc : des personnages d'homos vivant les jours et les nuits de Manchester au rythme de leurs amours, de leur travail, des sorties en boîte et surtout de leurs coups de bite... Largement de quoi susciter la controverse à l'époque puisque les scripts ne s'embarrassent d'aucun tabou, notamment dans la représentation libérée de la sexualité des gays. C'est certainement ce côté audacieux et un rien provocateur qui a attiré l'œil de la chaîne payante Showtime (dont le slogan est « No Limits »), les décidant à mettre en route un remake américain afin de contrer le monopole d'HBO sur les séries de luxe.
Menée par les scénaristes Ron Cowen et Daniel Lipman, cette version yankee de Queer as Folk prend un mauvais départ puisque les premiers épisodes ne sont qu'un décalque parfois au plan près du modèle britannique, ne laissant strictement aucune échappatoire aux petits jeux des comparaisons entre les petits gars de Pittsburgh et ceux de Manchester. Parce que les auteurs sont partis des mêmes personnages et des mêmes intrigues que ceux de Russel Davies, ils ont privé le spectateur du plaisir de la découverte, se contentant surtout de surenchérir dans les scènes de sexe osées et les corps huilés se dandinant sur le dance-floor. De quoi propulser directement le show dans la case des séries communautaristes et bourrées de clichés, avec en prime un générique d'ouverture d'une laideur à filer de la conjonctivite à Baz Luhrman. Pourtant, très vite, les scénaristes redressent la barre et parviennent à redéfinir par petites touches les traits de caractère de chacun des protagonistes. Si l'on peut regretter une certaine frilosité quant à l'âge de Nathan devenu Justin (le jeune garçon passe de 15 à 17 ans en traversant l'Atlantique), on pourra apprécier que Brian, l'alter ego US de l'égoïste Stuart, s'humanise par petites touches jusqu'à un plan final bouleversant où les larmes ne peuvent plus être retenues tandis que Michael, pur geek comme Vincent, incarne désormais un authentique adulescent trop naïf. De même, l'introduction du personnage de Ted permet de sortir des sentiers battus puisqu'il ne correspond pas aux étiquettes de la communauté à laquelle il appartient (il est d'ailleurs associé à la musique classique alors que l'essentiel de la bande originale se compose de morceaux de techno). Lentement mais sûrement, le Queer as Folk américain s'affranchit du modèle, en modifiant par exemple l'issue d'une overdose ou en développant un véritable triangle amoureux permettant d'étoffer considérablement la psychologie de chacun : Michael est amoureux depuis l'enfance de Brian et semble bloqué sur cette frustration jusqu'à s'épanouir au contact de David, un homme plus vieux que lui et qui le couve comme un père ; Justin aime Brian et affirme son identité jusqu'à en devenir le miroir en plus jeune, Brian n'aime personne mais se prend d'affection pour Justin qui lui renvoie l'image d'une certaine jeunesse oubliée et qui comble le vide laissé par Michael... Tendres, attachants et parfois cruels, les héros sont le cœur sensible qui fait battre la série, la preuve que Ron Cowen et Daniel Lipman ont compris qu'un étalage de soirées mousse et de zigounettes ne servait à rien sans propos et sans émotion pour les relayer.
Si l'on peut toujours arguer le manque de réalisme de la série dans sa représentation du milieu gay (on se promène le plus naturellement du monde en backroom et on trouve une concentration impressionnante d'homos au mètre carré), on ne pourra nier la pertinence avec laquelle les auteurs en étudient les différentes facettes sans jamais sombrer dans le militantisme à deux balles (à l'exception des catastrophiques épisodes 16 et 17). Si l'on en revient en permanence à la boîte de nuit « Le Babylone », c'est parce que cet endroit est autant la Cité des Dieux où des apollons nus sont vénérés sur des totems au-dessus de la piste de danse qu'un endroit de décadence sévèrement critiqué par les rastafaris. Culte du corps, ambiance de débauche, superficialité, drogue... Le bonheur qu'on y trouve peut vite virer au cauchemar, le lieu devenant le théâtre de tragédies (overdose dans les toilettes) ou de plaisir (le sous-sol où l'on y baise en toute décontraction). À ce titre, le fabuleux épisode 20 est particulièrement intéressant dans sa manière de révéler les deux versants de l'homosexualité avec un montage parallèle entre l'insouciance d'une Élection de l'Homme de l'Année et la descente aux Enfers d'un séropositif arrêté pour racolage, la musique techno et les paillettes contrastant avec un silence grave et une lumière sale. On pourra également faire le rapprochement entre la scène d'hôpital qui ouvre la saison dans la joie et la bonne humeur d'une famille d'un nouveau genre (accouchement d'une lesbienne) et celle qui la clôture sur une note dépressive après l'agression homophobe dont est victime Justin.
La plus grande force de ce Queer as Folk là reste néanmoins qu'il parvient à toucher tous les publics pour la simple raison que derrière ses thématiques gay « obligées » (coming-out, homoparentalité, homophobie), les auteurs parlent avant tout de la difficulté à être accepté des autres et de s'accepter tel que l'on est. Qu'il s'agisse de Justin quittant violemment sa maison après une altercation avec son bourgeois réac de père ou bien de Vic vivant très mal sa séropositivité (sa marginalisation passera par une absence de sexualisation à l'écran), qu'on nous parle du simple désir de fonder sa propre famille sans réitérer les erreurs de la génération précédente (les relations de Brian avec son paternel font parties des meilleurs moments de la saison) ou de l'image qu'on aimerait incarner (l'hilarant coach d'Emmett dans l'épisode 9 qui est en fait son pseudo Internet), tous les thèmes touchent à des questions universelles auxquels homos et hétéros apporteront leurs propres réponses. Comme quoi les êtres humains ne sont pas si différents que ça quelles que soient les personnes avec lesquelles ils couchent.
Loin d'être la série ghetto qu'on aurait pu craindre, le Queer as Folk yankee parvient à concilier plaisir des yeux avec des scènes de cul sans chichi (mention spéciale aux joies du SM) et le plaisir du cœur par de purs moments d'émotion relayés par une mise en scène constamment inventive (superbes travellings arrières lors d'une banale discussion entre les deux lesbiennes, traduisant leur éloignement progressif l'une de l'autre). Ceux qui viendront se rincer l'œil en auront pour leur compte mais les autres, ceux qui voudront gratter la couche de strass pour dépasser les apparences, découvriront une très belle étude de la Vie. L'ensemble est peut-être moins transgressif que l'original, plus « formaté » sans aucun doute. Mais tout aussi attachant.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Gerard Butler, Lena Headey, Rodrigo Santoro, David Wenham, Dominic West, Vincent Regan, Michael Fassbender, Tom Wisdom, Andrew Tiernan, Andrew Pleavin, Greg Kramer, Stephen McHattie et Eli Snyder. Réalisation : Zanck Snyder. Scénario : Zack Snyder, Kurt Johnstad et Michael Gordon, d’après l’œuvre de Frank Miller. Directeur de la photographie : Larry Fong. Compositeur : Tyler Bates.
Durée 115 mn. Toujours en salle en VO, VOST et VF.

Résumé :
Adapté du roman graphique de Frank Miller, 300 est un récit épique de la Bataille des Thermopyles, qui opposa en l'an -480 le roi Léonidas et 300 soldats spartiates à Xerxès et l'immense armée perse. Face à un invincible ennemi, les 300 déployèrent jusqu'à leur dernier souffle un courage surhumain ; leur vaillance et leur héroïque sacrifice inspirèrent toute la Grèce à se dresser contre la Perse, posant ainsi les premières pierres de la démocratie.

L’avis de Mérovingien02 :
Certains médias en ont décidé ainsi, avec l'appui du pas du tout susceptible gouvernement iranien : 300 serait un objet de propagande nauséeux au service de l'administration Bush. Ha bon… Étrange. Étrange parce que la BD dont le film s'inspire date de 1998, ce qui tendrait à faire du dessinateur Frank Miller un sacré visionnaire. Étrange aussi parce que des séquences capitales ont été ajoutées au scénario pour éviter toute tentative d'analyse douteuse. Étrange enfin parce que le réalisateur Zack Snyder n'a jamais eu aucune autre prétention que de livrer un péplum excessif dans tous les sens du terme, tape à l'œil, poseur, épique et résolument « fun ». Du divertissement jouissif à consommer sans modération, qui sera sans aucun doute dépassé dans 10 ans mais dont on se souviendra pour ses partis pris grotesques et assumés qui en foutent plein les mirettes. This is Sparta ? THIS IS SPARTA !!!!

Léonidas aux Thermopyles (1814), Jacques-Louis David, Musée du Louvres

Ceux qui seront venus assister à un cours d'Histoire sur l'Antiquité grecque risquent la syncope : le combat d'une poignée de Spartiates face aux hordes d'envahisseurs Perses n'a jamais été envisagé sous l'angle des faits mais bien du mythe, de ceux qui nourrissent l'imaginaire et qui sont parfois capables de mobiliser les foules. Le narrateur n'est d'ailleurs autre que le seul survivant de la bataille des Thermopyles, guerrier perpétuant le souvenir et les idées de liberté de Léonidas pour mener une armée d'athéniens à la victoire. Rien de surprenant alors à ce que 300 joue à fond la carte du manichéisme pour verser franchement vers la dark fantasy qu'évitait le comic d'origine : sous le masque des Immortels se cachent désormais des visages ravagés proches des orcs du Seigneur des Anneaux, des créatures monstrueuses comme le Uber ou l'Éxécuteur sont introduits le temps d'une séquence chacun (apparition pour le moins frustrante concernant le second), des orgies macabres se tiennent sous la tente de l'Empereur Dieu Xerxès... À l'opposé, les surhommes Spartiates exhibent des abdos à faire pâlir d'envie les adeptes du bodybuilding et se baladent dans des tenues affolantes assumant pleinement leur imagerie gay.
L'esthétique revendiquée par Snyder est quand à elle totalement léchée, des ciels fantasmés (une lune géante auréolant le Mont des Oracles) aux tons ocres des champs de blé surgissant tout droit de Gladiator en passant par l'extrême stylisation des combats usant et abusant des ralentis/accélérés pour créer de somptueux ballets sublimant à outrance les exploits des guerriers aux slips en cuir et approchant de très près la dynamique d'une case de BD. Certes, le parti pris du tout numérique n'est jamais bien loin de faire basculer l'ensemble du métrage dans le kitsch complet (surtout qu'un paquet d'effets spéciaux et d'incrustations sur fond bleu a de la merde au cul) mais le délire est si outrancier qu'il en devient gonflé. Tout est dans l'art de la pose iconique et de la composition picturale poussée à l'extrême, permettant d'offrir des plans instantanément traumatisants par leur puissance visuelle, comme celui de Léonidas face aux navires brisés par la tempête, l'arbre des Morts ou encore le mur de cadavres s'écroulant sur l'ennemi comme une avalanche.
Si le réalisateur de L'Armée des Morts ne peut s'empêcher de reproduire fidèlement quelques unes des images charbonneuses du roman graphique de Frank Miller, il ne tombe jamais dans le même travers de Sin City. Alors que Robert Rodriguez s'était contenté d'un copié/collé (qui fonctionnait uniquement parce que la bande dessinée possédait un langage proche des codes du film noir), Zack Snyder a su insuffler une vraie part de Cinéma au modèle papier, prolongeant les vignettes et évitant le statisme qui lui aurait été fatal. Certes, le matériau qu'il avait entre les mains n'était pas suffisamment dense pour tenir la durée mais il n'empêche que les développements narratifs ET visuels méritent d'être salués tant ils parviennent à respecter l'œuvre dont ils sont l'adaptation, tout en apportant un supplément d'émotion bienvenu. Il suffit de comparer le traitement réservé à la formation des phalanges poussant l'adversaire dans le précipice chez Miller et chez Snyder pour s'en convaincre : de 4 cases, on passe à une séquence entière magistralement découpée et mettant en avant la stratégie de Léonidas. Même constat pour la séquence de la nuée de flèches ou l'ajout formidable de la charge d'un rhinocéros : courte mais efficace. Seule l'attaque des éléphants se contente d'un traitement illustratif forcément décevant tant son potentiel à l'écran aurait pu être énorme.

Gerard Butler

Généreux dans le spectacle, le réalisateur l'est aussi avec ses personnages qu'il étoffe sensiblement pour éviter toute analogie politique maladroite, notamment via une sous intrigue ajoutée à Sparte pas franchement indispensable et plombant le rythme des affrontements mais accordant un beau rôle à la reine Gorgo tout en renforçant l'impact dramatique du dénouement. Si le peuple Sparte était proche d'un régime fasciste, le film évite l'amalgame entre sujet et discours dès les premières séquences en offrant une vision particulièrement douloureuse des conditions d'entraînement (violence du père pour endurcir l'enfant, absence de l'amour maternel, abandon au froid et aux loups). De même, c'est par orgueil que les guerriers Spartiates périront puisque leur obsession de l'eugénisme les mènera à leur perte (la vengea