Paul Etheredge-Ouzts interviewé par Frédéric Mignard

Interview reproduite avec l’autorisation de l’auteur et du site A voir/A lire

Les miracles d’Internet... Il est désormais facile de s’entretenir avec des cinéastes de derrière notre écran d’ordinateur, sans même avoir à traverser l’Atlantique quand il s’agit de réalisateurs américains... Paul Etheredge-Ouzts s’est prêté au jeu de l’interview virtuelle pour nous parler d’Hellbent, une petite production horrifique indépendante dont nous ne sommes pas forcément fan mais qui a le mérite de détonner dans le genre du slasher en proposant des personnages et une intrigue 100 % gay. On connaissait les scream queens, des donzelles déshabillées hurlant à la vue d’un couteau de pacotille, voici maintenant les gym queens, des messieurs bodybuildés en proie aux mêmes affres de la vie. Enfer et damnation ? Le cinéaste a répondu à nos réserves avec une bonne volonté et une bonne foi qui le rendent éminemment sympathique.

Tout d’abord, est-ce qu’Hellbent a été tourné pour les salles de cinéma ?

Tout à fait. Il a été produit dès le départ dans l’espoir d’être distribué en salles.

Pourquoi ne pas avoir réaliser un film d’horreur conventionnel en incluant juste un ou deux personnages homosexuels ?

Mes producteurs et moi avons toujours été conscients qu’il existe un marché pour le cinéma horrifique gay. Hellbent n’a pas coûté bien cher et son budget publicitaire était minuscule. Nous avons donc exploité tous les atouts que nous avions en mains pour faire exister notre film dans cette niche. Attirer l’attention constitue la moitié du travail pour une production indépendante en quête d’un public.
L’aspect homosexuel du film n’est pas purement mercantile. Je voulais reprendre l’intrigue d’un slasher des années 70 en changeant de point de vue, et en le peuplant de jeunes gens sympathiques et bien dans leur tête qui se trouvent être gays. Tout à fait le type de personnages que l’on voit peu au cinéma, tous genres confondus.

Mais n’est-ce pas difficile de tourner un tel film à notre époque alors que l’Amérique traverse une vague de puritanisme ?

Non, nous n’avons pas vraiment rencontré de problèmes. Vous savez, une portion seulement de l’Amérique est puritaine. Mais c’est celle qui sait se faire entendre.

Pensez-vous que le public d’un film comme Hellbent est entièrement gay ou que le film peut espérer trouver un public plus large ?

Il est presque impossible de déterminer à l’avance qui constituera le public d’un tel film. Une fois qu’Hellbent sera dans les salles, de nombreux professionnels scruteront l’audience pour vérifier qui le film attire. Je pense que si le film parvient à trouver un public gay et s’il parvient à attirer les fans de films d’horreur, le bouche-à-oreille devrait alors générer un buzz favorable auprès d’un public plus large.
Pour ma part, j’ai écrit Hellbent pour qu’il soit accessible au plus grand nombre. Je ne pense pas qu’il faille être gay pour vouloir que les protagonistes s’en sortent sains et saufs.

Quelle relation entretient le public gay avec le cinéma d’horreur et la violence en général ?

Certains intellectuels pensent que la plupart, si ce n’est tous les films d’horreurs, traitent de l’homosexualité et de la peur viscérale qu’éprouve notre société pour "l’autre". Comme je ne suis pas vraiment un expert, je préfère recommander à tous ceux qui s’intéressent au sujet de jeter un coup d’œil au livre de Harry M. Benshoff, Monsters in the closet : homosexuality and the horror film.

Quelles sont vos références dans le genre ?

Pour Hellbent, j’ai été particulièrement influencé par "l’âge d’or" du film d’horreur, c’est-à-dire les années 70. A cette époque, les standards reposaient sur un savant mélange de violence extrême, de gore, mais aussi d’esprit ! Et puis les personnages étaient forts. Je considère Black Christmas de Bob Clark et Halloween de John Carpenter comme deux des meilleures productions de cette époque. Et puis il y a Massacre à la tronçonneuse que je trouve toujours plus délirant à chaque vision. Sinon mes autres références sont Black Orpheus, Black Narcissus, Invaders from Mars et le cinéma de Kenneth Anger.

Vous savez, je ne suis pas totalement convaincu par les qualités d’Hellbent en tant que film d’horreur. Vous tendez à le noyer dans le second degré alors que beaucoup de spectateurs attendent un film plus sérieux et plus effrayant...

J’ai eu beaucoup de mal à accoucher du script, car je n’arrivais pas à me décider sur le ton. La première ébauche était un peu trop cérébrale (voire prétentieuse) et proposait un conflit de perspectives apolliniennes et dionysiennes incarnées respectivement par le héros et le tueur. Le script comprenait de nombreuses séquences psychédéliques. Un vrai film d’étudiant.
Le deuxième jet était incroyablement violent, sans aucun humour et finalement assez abject. Le film s’achevait sur une scène où le héros et le tueur s’entredévoraient les parties génitales. Cela préfigurait un peu la scène choc d’Hannibal. Une histoire vraiment très moche. Je n’imaginais pas un public voulant voir un truc pareil.
Puis, finalement, j’ai trouvé ce que je recherchais vraiment : un petite dose de sang, une petite dose de sexe et un peu d’humour. Au final Hellbent est un divertissement enlevé, rythmé aux sons punk rock. Il n’a aucune autre prétention.

Photographie (c) DR

Parlons un peu des personnages. Ce sont tous des canons ! Pourquoi ne pas avoir choisi un casting plus proche de la réalité. Vos belles gueules font en effet un peu clichés et tendent de ce fait à rabaisser le niveau de votre long métrage.

On peut prendre Hellbent comme l’archétype du slasher auquel on aurait rajouté des personnages homosexuels. Si je m’étais risqué à m’écarter encore plus des formules du genre, j’aurais pu perdre tout l’aspect nostalgique de mon film. Or je voulais rendre hommage aux standards des années 70 et 80.
J’ai effectivement exploité les stéréotypes de ce genre de film, à savoir le mauvais garçon, l’obsédé sexuel et le vierge de service, mais en faisant en sorte de leur ajouter du relief, et de les rendre essentiels à l’intrigue. J’étais conscient qu’Hellbent devait proposer des personnages homosexuels possédant une certaine profondeur et de l’humanité. Je ne voulais pas qu’ils soient juste de la chair fraîche, bonne à trucider. Le public jusqu’au bout peut espérer qu’ils vont s’en sortir, ce qui nourrit le suspense.
Les jeunes gens d’Hellbent sont des gars positifs, bien dans leur tête. Leur sexualité n’est pas ce qui les définit, c’est juste une caractéristique de plus. Les protagonistes de mon film n’en sont plus à se demander si c’est bien d’être gay. Ce sont des mecs normaux, normaux mais beaux (après tout on est là pour s’évader également).

Vous auriez peut-être pu développer votre scénario et parler un peu plus du tueur dont on ignore tout. Nous ne savons même pas si c’est un être humain ou tout simplement une créature infernale. C’est frustrant...

Les peurs des individus sont tellement variées et spécifiques à la fois. J’ai justement essayé de garder cela en tête afin de laisser le public imaginer ce que bon lui semblait. Si j’avais donné au tueur un motif, la moitié du public me l’aurait immédiatement reproché. De même si je l’avais fait parler, certains n’auraient pas trouvé sa voix effrayante. En fait, chaque détail que j’ajoutais au tueur le rendait moins menaçant. Le mieux était donc de le définir le moins possible.
Je tiens à rajouter que contrairement à de nombreux films de ce genre, Hellbent ne cherche pas à établir un lien entre la mort et le sexe. Mes personnages ne sont pas punis à cause de leur sexualité. Je ne tiens pas à perpétuer un tel message. J’ai fait en sorte que mon film soit clair à ce sujet, les crimes qui y sont commis ne sont pas homophobes.

En ajoutant quelques meurtres vous auriez peut-être pu mieux rythmer votre film. De même, on pourrait vous reprocher de donner plus dans le carnaval gay que dans l’atmosphère horrifique...

Bien que je sois un grand amateur de films d’épouvante, j’avoue ne pas trop apprécier les scènes gores gratuites et sadiques qui ponctuent souvent ce cinéma. Je préfère la terreur psychologique, les thrillers ou les films de monstres plutôt que les boucheries cinématographiques. Le film que j’ai écrit devait d’abord me correspondre. Même si Hellbent est un slasher, je lui ai inculqué une dose d’espérance et d’humanité plutôt inhabituelle pour le genre.

Enfin, quelle est votre sentiment sur la violence croissante du cinéma américain alors que la MPAA est toujours aussi rétive en matière de sexualité à l’écran ?

Que puis-je dire ? Parfois l’Amérique est un pays arriéré.

L'homosexualité dans le cinéma classique :

de la fascination inavouable au néo romantisme

— par Francis Moury —

Francis Moury est né en 1960 à Versailles. Ancien élève du lycée Louis le Grand (Paris) en 1979-1981, D.E.A. de philosophie de Paris-IV (Ontologie et métaphysique) en 1983. Agrégatif et doctorant à Paris IV (1984) et Paris I (1998). Membre de la S.A.C.D. (1991), Moury contribue régulièrement (en français comme en anglais) à divers sites Internet d'histoire et d'esthétique du cinéma mondial ainsi qu'au catalogue annuel de L'étrange Festival parisien. Certains écrits plus purement philosophiques, politiques et littéraires ont paru dans des revues (notamment Dialectique, Contrelittérature, La Soeur de l'Ange, Les Temps modernes)  ; d'autres sont édités en ligne sur le "blog" de Juan Asensio, Le Stalker-Dissection du cadavre de la littérature.

« À gratter à peine le joli vernis dont Gilling enduit ses réalisations, on trouve toujours à la base de cette atmosphère équivoque une véritable universalité (si l’on peut dire) de la perversion sexuelle. Non que la perversion constitue jamais un "sujet" pour Gilling; mais elle est constamment sous-jacente, inhérente à sa vision du monde. Nécrophilie (The Flesh and the Fiends), bestialité (The Reptile), homosexualité (The Plague of the Zombies) sont les constituants psychologiques de personnages qui, privés d’eux, n’auraient pas d’existence filmique. »
Jean-Marie SABATIER, Les classiques du cinéma fantastique, article John Gilling, p.182, éd. Balland, Paris 1973.

« Que l’amour ose ou n’ose pas dire son nom; qu’il soit, comme disent les gens, "normal" ou "anormal", les vérités de l’amour restent les mêmes. Et d’abord celle-ci : l’amour relève de la tragédie. Et L’ Escalier, film d’amour, est un film tragique. »
Jean-Louis BORY, Dossiers du cinéma - Les films, tome 2, article L’Escalier/The Staircase, p. 74, éd. Casterman, Belgique 1972.

I

 
Mis à part le domaine du cinéma pornographique (et de sa version aseptisée “soft” nommée pompeusement “érotique” par la critique), la représentation de la sexualité au cinéma est soumise à de multiples règles.
Les industriels du cinéma ont toujours eu pour but la rentabilité et ont toujours conçu leurs films comme des produits destinés à un marché. Ce marché étant le public le plus large possible, il était quasiment impossible de représenter le sexe d’une façon trop vériste et prégnante dans des produits de grande consommation. Les producteurs hollywoodiens ont toujours répété depuis 1920 que leurs films devaient pouvoir être vus, compris et aimés par des gens de 7 à 77 ans. Dès lors, les femmes et les enfants constituant une part non négligeable dudit public, ainsi que les personnes âgées, il n’était pas question de montrer au cours d’un film grand public une scène tant soit peu choquante. Les films étaient, avant tout, une distraction pour “toute la famille”.
De fait, jusqu’en 1950, la dichotomie était claire : courts-métrages pornos clandestins d’une part ou films grands publics d’autre part. Vers 1955 et plus encore vers 1960, les mœurs ayant évolué en Europe occidentale et en Amérique du Nord, les producteurs décidèrent finalement d’introduire des références plus explicites à l’amour physique dans leurs films. Ainsi “Tant qu’il y aura des hommes / From here to Eternity” (1953) de Fred Zinnemann provoqua un certain émoi du fait d’une torride étreinte entre Deborah Kerr et Burt Lancaster.
Il y avait eu des précédents : scène d’orgie dans la partie babylonienne du film de D.W.Griffith, “Intolérances” (1917) ou encore les plans fétichistes de Bunuel dans “L’âge d’or” (1930) et le “Chien andalou” (1928) sans parler du fameux “Erotikon” tourné en Tchécoslovaquie par Gustav Machaty en 1929. Une histoire précise du sexe au cinéma peut d’ailleurs en repérer bien davantage (Lo Duca & Maurice Bessy, Gérard Lenne, Jean-Pierre Bouyxou, pour ne citer qu’eux, y ont contribué dans leurs célèbres ouvrages sur ce sujet) mais ces précédents correspondaient à des tentatives isolées, marginales.

II

Il est certain que les années 60 ont été celles de la libération de l’image. De l’image mais aussi des sujets abordables par les scénaristes, et d’ailleurs effectivement abordés. Dont l’homosexualité explicite.
Certes les films français comiques des années 30 regorgent d’allusions comiques concernant l’homosexualité (féminine ou masculine) et cette tradition bien gauloise se perpétue régulièrement (Poiret et Serrault ont repris le flambeau, puis Depardieu et Michel Blanc plus récemment). Jacqueline Audry a déjà dépeint les aventures amoureuses des “Garçonnes” (1957), elle va bientôt s’attaquer à plus délicat : “Le Secret du chevalier d’Éon” en 1960 ! Quant à Jean Delannoy, il dépeint avec classe “Les Amitiés particulières” en 1964.
Mais le salut vient d’ailleurs. “The Servant” en 1963 et “L’Escalier” en 1969 adaptés d’ Harold Pinter par Losey puis Donen décrivent en profondeur les affres de la relation homosexuelle tandis qu’aux États-Unis le réalisateur Mark Rydell recrée en 1967 avec une sensualité impressionnante la relation lesbienne décrite par D.H.Lawrence dans “The Fox/Le Renard”. “Un dimanche comme les autres / Sunday, Bloody Sunday” de John Schlesinger (1971) dépasse le simple constat enregistré dans “Midnight / Macadam Cow-Boy” deux ans plus tôt et oriente l’analyse vers la bisexualité et sa résonance psychologique. En 1968, “Flesh” de Morrissey invente un nouveau langage adapté à la réalité décrite : Joe Dallesandro chemine à la recherche de la pureté, entre drogue, transexuelles et climat social d’un New York quotidien et désabusé. Idem pour le deuxième volet : “Trash” (1970) et le troisième volet « Heat » (1972).
Cela n’empêche pas Gordon Douglas de dénoncer la traque policière dont sont victimes les homosexuels à l’occasion d’une enquête menée par “Le Détective” (1968) dans lequel Sinatra descend aux enfers new-yorkais. Même chose pour Henri Fonda qui est amené à deux reprises à fréquenter les lesbiennes et les homosexuels de Boston dans “The Boston Strangler / L’Étrangleur de Boston” (1968) de Richard Fleisher.
En 1969 Tony Tenser, le sémillant producteur de la britannique Tigon Pictures, lance sur le marché le premier film érotique anglais explicitement consacré aux amours lesbiens : “Monique” avec Sibylla Kay et Joan Alcorn ! Quant aux Nordiques, ils n’ont pas attendu pour aborder les aspects les plus réalistes des variétés de l’amour : “Je suis curieuse - version jaune” de Sjöman date de 1967. Les Italiens ne sont pas en reste puisque “Les Garçons” de Bolognini datent de 1963.

III

 
Cependant le traitement de front de l’homosexualité est beaucoup moins riche que son traitement allusif dans l’histoire du cinéma. Moins riche quantitativement en tous cas. Et c’est par le biais du cinéma de genre qu’il faut passer pour apercevoir la grande richesse du sujet dans l’histoire du 7ème art.
En effet, la France ne cesse de lorgner vers les homosexuels et les lesbiennes dans son cinéma policier populaire classique. Les films de Decoin, de Ralph Habib, de Robert Vernay, de José Bénazéraf qui relèvent de ce genre contiennent de très nombreuses suggestions de relations homosexuelles. Qu’il s’agisse de “Nuit blanche et rouge à lèvres” (1957), “Les Compagnes de la nuit” (1953), “Razzia sur la chnouff” (1954), “La Drogue du vice / Le Concerto de la peur” (1961). Mentionnons bien sûr les films de Bresson “Les Anges du péché” (1943) contant la trouble amitié entre une aventurière maudite et une soeur fascinée ainsi que “Les Dames du Bois de Boulogne” (1944) qui pénètre les tréfonds de la perversité humaine. Aucune vulgarité mais un climat moite, tendu, étouffant plus sexuel que la moindre comédie érotique moderne avec Jane Birkin ou Mireille Darc.
La Grande-Bretagne aborde le thème homosexuel par le biais du cinéma policier - The Victim (GB, 1961) de Basil Dearden, par exemple – aussi du cinéma nudiste d’Harrison Marks mais surtout par celui du cinéma fantastique, au premier chef celui de la Hammer Film : “Les Maîtresses de Dracula/The Brides of Dracula” (GB 1960) de Terence Fisher contient quelques scènes stupéfiantes par leur force et leur densité dramatique de vampirisation d’un homme par un homme et d’une femme par une femme. Roy Ward Baker reprendra plus explicitement le flambeau dans les années 70 avec “Scars of Dracula / Les Cicatrices de Dracula” (aux options “délibérément fétichistes et homosexuelles” comme l’écrivait Sabatier, op. cit.) et “The Vampire Lovers” qui contient de troublantes scène entre Ingrid Pitt et Madeline Smith d’après “Carmilla” de l’écrivain gothique Sheridan Le Fanu. La peur au cinéma passe par le jeu névrotique avec le désir. L’homosexualité du châtelain, à la tête d’une escouade de jeunes cavaliers blonds et racés, est nettement posée dans “The Plague of the Zombies / L’Invasion des morts-vivants” (John Gilling, 1965) mais elle se double d’un désir de domination et d’un narcissisme, tous deux forcenés. L’héroïne de “The Reptile / La Femme-reptile” vit cloîtrée avec son père, à l’origine d’une malédiction qui la transforme périodiquement en serpent avide.
L’Italie suit le chemin rapidement : Mario Bava centre l’intrigue du sketch d’ouverture des “Trois visages de la peur/ I tri volti della Paura” (1963) sur la lutte entre une lesbienne et un proxénète, déterminés à reconquérir une Michèle Mercier terrorisée. Unité de temps, de lieu et d’action pour ce pur joyau dont la perversité scintille toujours d’un très sombre éclat. Antonio Margheriti orchestre pour sa part une “Danse macabre / Danza Macabra” (1963) placée sous le signe cormanien d’Edgar Allan Poe. La star Barbara Steele y incarne une jeune femme bisexuelle maudite, fantôme condamné à revivre les affres d’une passion brûlante et meurtrière. Comme chez Roger Corman, les éléments du décor et le découpage temporel de l’action renvoient à l’interprétation freudienne des rêves. Margheriti en fera un remake 8 ans plus tard (“Nella Stretta Morsa del Ragno/Les Fantômes de Hurlevent”) avec Klaus Kinski et Michèle Mercier.
Par ailleurs, le peplum italien des années 1955-1965 fourmille de transcriptions de scènes homosexuelles suggérées. Non seulement certains titres (“Sapho, vénus de Lesbos/Saffo, venere di Lesbo” de Pietro Francisci, 1960) mais certaines scènes précises dépeignent les amours interdites : ainsi la rencontre d’Hercule avec les Amazones lesbiennes et bisexuelles tueuses dans “Hercule et la reine de Lydie / Ercole e la regina di Lydia” (1958) encore de Francisci et dont la direction de la photo fut assurée par Mario Bava.
Le film de